OMBRE AMENE

Mauro Giuliani | Fernando Sor
Ariette, Cavatine, Seguidillas & Solos
Gabriella DI LACCIO | James AKERS
DRAMA002
BAIXE O ENCARTE AQUI

Sor e Giuliani: a era de ouro da guitarra romântica
Ao longo de sua história, instrumentos de cordas dedilhadas foram usados para acompanhar a voz. Desde a kithara e da lira do mundo antigo à guitarra elétrica moderna, a praticidade e o potencial expressivo dessa combinação foram explorados com grande sucesso por artistas e compositores. A invenção relativamente recente da notação musical nos permite apenas um vislumbre dessa história duradoura. Os primeiros exemplos sobreviventes datam do século 16, quando a já sofisticada e evoluída natureza das composições demonstra claramente que esta música foi o resultado de uma longa tradição, e não um súbito fruto de uma rica imaginação.
Existem inúmeros exemplos que ilustram o sucesso dessa parceira. Em meados do século 16 Luis de Milan (c.1560-c.1561) publicou músicas para vihuela da mano e voz. A elegância refinada das Air de Cour para voz e alaúde de Pierre Guedron (c.1570-c.1620) existiram simultaneamente com a abundância de canções inglesas para alaúde inglesas escritas por John Dowland (1563-1623); enquanto que na Itália,  Giulio Caccini (1551-1618) descreveu o descendente do alaúde, a teorba, como o melhor instrumento para acompanhar a voz.

Ao longo dos séculos XVI e XVII, os instrumentos de cordas dedilhadas eram parte integrante da produção de música europeia, como continuam sendo hoje parte das tradições asiáticas e africanas. No século 18, no entanto, os avanços na construção de instrumentos de teclado resultaram no fato de que o cravo começou a assumir este papel fundamental. O alaúde e a teorba gradualmente ficaram sem uso enquanto a guitarra continuava sua evolução nas margens da vida musical. Com a invenção do pianoforte, o primeiro instrumento de teclado capaz de imitar as mudanças de volume típicas dos instrumentos de cordas dedilhadas, a ascendência do teclado foi completa e uma nova tradição de música começou a surgir.

A guitarra romântica, embora afastada da cena principal, continuou a ser tocada e atraiu um grupo fiel e devotado de praticantes e aficionados dedicados a manter a chama viva. No entanto, durante a idade do primeiro pico da música acompanhada de piano, com o inspirado lieder de Franz Schubert, a guitarra alcançou um grau de popularidade não visto desde o século XVII. Impulsionada pela aparição nas capitais europeias de artistas virtuosos e compositores, que cativaram e inspiraram seu público, essa "era de ouro" da guitarra romântica também produziu um novo repertório de canções. Essas músicas, no entanto, muitas vezes também foram publicadas com acompanhamentos alternativos para o piano, para garantir o potencial máximo de vendas - um reconhecimento do domínio do teclado.

Mauro Giuliani (1781-1829) é uma figura única na história da guitarra romântica. Nascido no sul da Itália, ele fixou residência e passou grande parte de sua vida profissional em Viena. Giuliani interagiu com muitas das principais figuras musicais de seu tempo, incluindo Beethoven, Rossini e Paganini e sua fama se espalhou por toda a Europa, chegando ao ponto em que uma revista de guitarra inglesa recebeu o nome dele, The Giulianiad. Giuliani compôs para uma variedade de gêneros de concertos com orquestra assim como peças de música de câmara para guitarra solo, mas a guitarra é sempre o ponto central em sua música. Uma parte significativa da produção musical de Giuliani é para voz a guitarra.  vocal. Ele escreveu não apenas peças originais, mas fez um grande número de transcrições de peças vocais bem conhecidas, entre outras, obras de Domenico Cimarosa (1749-1801), Felice Blangini (1781-1841), Gioachino Rossini (1792-1868).

As canções de Giuliani estão entre seus melhores trabalhos. Deixando de lado suas habilidades como guitarrista, ele concentra-se na linha vocal, criando estruturas dramáticas com as palavras, melodias flexíveis e criativas e rápidas mudanças de humor. Escrito no estilo de ópera italiano,  Giuliani, imbuído em sua juventude, leva o ouvinte a uma jornada emocional perfeitamente expressa em uma miniatura orquestral cristalina.

Uma característica da música de Giuliani que é frequentemente discutida é a sua genialidade melódica. Sua capacidade de imbuir o som potencialmente seco da guitarra com um calor cantabile, e ao mesmo tempo empregar técnicas diferentes para explorar as profundidades expressivas do instrumento. Isso é um fato muito notável considerando-se a natureza da guitarra romântica no início do século XIX. O instrumento da época de Giuliani era menor do que um violão clássico moderno, as cordas agudas eram cordas de tripa que possuíam um timbre único e com menos projeção do que as cordas modernas. Atingir a variedade de expressão atribuída a Giuliani é um testemunho a sua genialidade.

As peças realizadas nesta gravação destacam a versatilidade, a imaginação e o domínio do estilo de Giuliani. Sei Ariette, op. 95, foram inspiradas na música de seu contemporâneo, Rossini, uma figura monumental da história da ópera italiana. Elas foram publicadas pela Artaria & Co. no final de 1818, pouco antes do retorno de Giuliani para a Itália. Arietta significa literalmente "pequena ária", uma forma menos complexa do que uma ária padrão, caracterizada por sua brevidade, variedade de ornamentação e um temperamento geralmente animado. De acordo com a primeira edição publicada, Sei Ariette foi "humildemente composta e dedicada à Alteza Imperial, Princesa Marie Louise, Arquiduquesa da Áustria", revelando o significado do trabalho e o afeto e respeito que Giuliani realizou por sua mecenas. O conjunto é composto pelas seguintes canções: I. Ombre Amene (Andantino espressivo). II. Fra tutte le pene (Allegretto agitato); III. Quando sarà quell dì (Allegretto); IV. Le dimore amor non ama (Maestoso); V. Ad altro Laccio (Allegretto) e VI. Di due bell'anime (Allegretto). As Ariettas demonstram uma grande variedade de caráter, desde o doce Ombre amene ao contemplativo Quando sarà quell dì, o imponente Le dimore amor non ama ao energéticos e brilhantes Fra tutte le pene, Ad altro laccio e Di due bell'anime .

Grand Overture é uma das principais peças do repertório da guitarra romântica. Escrita no estilo de uma abertura da ópera, ela começa com uma seção lenta, solene e misteriosa que se desenvolve dramaticamente com uma resolução adequadamente extravagante.

As Sei Cavatine Op. 39 foram publicadas em 1813 em Viena, também por Artaari & Co., e dedicadas ao 'Sig. Conte Francesco de Pálffy ', um dos seguidores mais ilustres de Giuliani. Esta coleção é impressa com acompanhamentos de guitarra e piano, que, curiosamente, contém discrepâncias consideráveis. As versões de piano parecem ser ter sido compostas mais cuidadosamente do que os esforços ligeiramente superficiais para a guitarra. Talvez, nessa ocasião, a oportunidade de compor para outro instrumento tenha estimulado a imaginação de Giuliani a mais do que o "dia normal de trabalho" de escrever para a guitarra. Devido a esta inconsistência nos acompanhamentos, nesta gravação decidimos tomar ‘emprestado’ alguns trechos de acompanhamento das versões de piano e assim deixar ainda mais interessante a parte da guitarra.

Nas Sei Cavatine, Giuliani compôs melodias claras e brilhantes com certa simplicidade harmônica, mas que demonstram uma criatividade admirável e um belíssimo resultado.  Este ciclo consiste em seis composições sob poemas de amor italianos por autores desconhecidos ou anônimos. Os títulos são: I.Par che di giubilo (Allegro maestoso); II. Confuso, smarrito (Allegro); III. Alle mie tante lagrime (Moderato); IV. Ah! Non dir che non t'adoro (Allegretto); V. Ch'io senta amor por femine (Allegro vivace) e VI. Già presso al termine (Allegretto). A segunda peça é talvez uma adaptação feita por  Giuliani da cavatina Confusa, smarrita da ópera seria Catón en Útica (1728) de Leonardo Vinci (1690-1730). Este texto popular, do poeta Pietro Metastasio, aparece em mais de trinta peças de vários compositores.

Do ponto de vista de um cantor, é um grande prazer poder apreciar as belas linhas do 'bel canto' e explorar a expressão dos textos sem ter que competir com o som de uma grande orquestra. As Ariette e Cavatine de Giuliani proporcionam grande oportunidade de expressão e o acompanhamento delicado e expressivo da guitarra, permite a criação de um drama operístico dentro de uma configuração de música de câmara.

Fernando Sor (1778-1839) foi um compositor extremamente prolífico. Embora mais reconhecido como compositor de guitarra, tendo sido considerado um dos melhores de seu tempo, ele foi menos ligado ao instrumento do que Giuliani. Sor compôs amplamente em vários gêneros musicais incluindo ópera, balé e piano. A maioria das canções de Sor são compostas com acompanhamento de piano e ele teve um sucesso considerável como compositor enquanto vivia em Londres. Suas seguidillas estão entre as poucas obras que ele compôs com acompanhamento para guitarra romântica. Baseadas na forma de dança de bolero, elas são peças curtas com textos simples, muitas vezes desconhecidos e as vezes eufemísticos. A letra da seguidilla é um poema de sete linhas, cujos quatro são as 'copla' ou versos, os três seguintes o 'estribillo' ou coro.

Os estudos de Sor tem sido fundamentais para a formação que todo aspirante a guitarrista há quase dois séculos. Estudo 17 op. 29 atingiu a sua fama em meados do século XX quando foi escolhido por Andrés Segovia como uma das peças inclusas na coleção de vinte estudos de Sor a serem editados e publicados. Esta coleção foi gravada pelos principais artistas, incluindo Narcisco Yepes e John Williams. A peça merece sua popularidade. É uma fantasia em contraponto belamente estruturada, começando com uma alegre melodia que configura a cena para esta obra bem-humorada  que apesar da sua complexidade, soa sem esforço e leve trazendo grande riqueza de aprendizado.
Meditación é uma peça menos conhecida. Dedicada a Trinidad Huerta (1804-1875), outro famoso guitarrista e compositor do século XIX, que a história escolheu negligenciar, esta obra oferece grande contemplação melancólica. Nesta gravação, de acordo com a prática de performance na época de Sor, uma cadência original é adicionada com a intenção de aumentar o impacto emocional da peça.

As seis seguidillas apresentadas nesta gravação ilustram perfeitamente a simbiose do popular e do refinado. Um paralelo pode ser feito entre as Seguidillas de Sor  e as pinturas do primeiro período de Francisco de Goya - aquelas retratando os jogos e divertimentos das pessoas comuns, mas ao mesmo tempo dando-lhes um ar aristocrático. Nas Seguidillas, Sor emprega melodias, que poderiam ter sido ouvidas com várias letras em Espanha no início do século XIX. Devido à sua refinada técnica de composição, Sor consegue apresentar essas peças aparentemente simples, com um toque mais sofisticado, e ao mesmo tempo preservando a energia rítmica da dança mais famosa da época. O temperamento de cada música muda de acordo com o texto que vai desde a apaixonada Cesa de atormentarme, a alegre De amor en las prisiones, a romântica  Mis descuidados ojos, a prudente El que quisera amando até a mais espirituosa e irônica Las mujeres e cuerdas.

Sor, em suas canções, desafia o cantor com suas exigentes melodias, repletas de coloraturas, trilhos e ornamentos. Tudo isso para criar um caráter de cada canção que, com as letras criativas, inspiram o artista a procurar uma alma interna "espanhola". Em comparação com as peças de Giuliani, que permitem o rubato - liberdade com o tempo - em diferentes seções, nas canções de Sor se é necessário respeitar as características da forma de dança que são a base da seguidilla. Assim, o cantor deve deixar a música se mover e não interromper seu fluxo com respirações muito longas.

Com a passagem de Sor e Giuliani, a guitarra  voltou à sua posição como um instrumento de nicho para amadores e excêntricos. Figuras notáveis seguiram, mas nenhuma delas alcançou a celebridade de seus predecessores até que a cultura popular adotou a guitarra como seu instrumento favorito e uma nova jornada começou.


Gabriella Di Laccio & James Akers

Copyright © 2016 Drama Arts Limited